杜尚《下楼梯的裸女第二号》

Marcel Duchamp（1887 - 1968）

杜尚画的这个《下楼梯的裸女第二号》弄得1913年运筹帷幄并立沙龙展的艺术家们不知所措。开幕前，他们召开会议，探讨该若何办才好，终末决定将这幅独门独派、歪路左谈的作品归还去。这个事件改变了杜尚的一生，他缄默收回这件作品，决定从此不再参预任何标榜着某种精神和主义的艺术运动团体，踏上一个东谈主反叛不竭的艺术之路。

这幅画的灵感得自一张重复曝光的底片，这种科技副家具将东谈主性的嗅觉排除得清清爽爽，一再复制形象，使东谈主看起来好像仅仅一个透明的空壳子。认为热爱的杜尚，便将裸女的动作按照先后步伐，重叠在画面中，像扇子一样在楼梯中展开，自后有一位影相师，用他的镜头仿造了这件作品，他真的使用重复曝光的道理，拍出了一张《下楼梯的杜尚》。

什么是「现成物品」？杜尚指出：物品有两种，一种是因为具有独特的好意思感，而被挑选上的「发现物品」，这种物品是经过艺术家的试吃筛选出来的，也就是一般东谈主认定的艺术品。另一种「现成物品」，非论外表、造型、好意思感，环节的是物品自身有莫得惟一无二的「含义」？假使东谈主们大略赋予它新的评释注解，这种东西就能被当成艺术品。天然反过来，杜尚也主张，传统的艺术品（发现物品）也要能拿来当作实用的现成物品使用，比喻说一幅名画也可以拿来当烫衣板！

马塞尔·杜尚，法国艺术家，二十世纪实验艺术的先锋；关于第二次寰宇大战前的西方艺术有稳重要的影响，是达达主义及超现实主义的代表东谈主物和创始东谈主之一。降生于法国，1954 年入好意思国籍。他的出现改变了西方现代艺术的程度。可以说，西方现代艺术，尤其是第二次寰宇大战之后的西方艺术，主若是沿着杜尚的念念想轨迹行进的。因此，了解杜尚是了解西方现代艺术的要津。

杜尚《自行车轮》

Marcel Duchamp（1887 - 1968）

绘画本来就是死东谈主骨头，和画它的东谈主一样都仅仅艺术的历史，艺术已死！不雅众和艺术家一样环节，艺术家唯独依靠名气才能存在，如果每天都画出很棒的作品，却莫得东谈主知谈，那他仍然是不存在的！

20世纪初，艺术家杜尚（不外他恒久含糊我方是个艺术家），不绝发表各式反艺术的言论，吓坏了不少东谈主。他永远捏怀疑的精神，手不释卷地改进游戏规则，任何信奉教条的东谈主都跟不上他的脚步。

1913年，画腻了油画的杜尚拆下一个脚踏车轮，倒过来装在板凳上，况兼用灯光照出它的倒影，完成了这个新颖的创作《自行车轮》。杜尚选来当艺术品的「现成物品」，平常都是大批制造的工业家具，他认为，东谈主们老是只重视这些东西的功能性，淡薄地使用者，却很少去念念索它们承载的意旨。

他轰轰烈烈地展开颠覆行动，《自行车轮》做好两年后，他将另一个「现成物品」创作──一个男性的小便器送进好意思国一间好意思术馆去展览，他把它反过来放，然后在上头签了名，写上《喷泉》这个名词，让好意思国东谈主荒诞不已；自后他又在蒙娜莉萨的画像上加上了小胡子，把东谈主们公认的好意思感用几笔碎裂殆尽。「阿谁时候我也不太明晰我在做些什么，但至少转换了一群东谈主的心念念，让他们驱动做些热爱的事！」

杜尚《巧克力研磨器第二号》

Marcel Duchamp（1887 - 1968）

杜尚说，不雅众在创作行径中演出者很环节的变装，一件艺术品要让不雅众观赏事后，在心中产生我方的嗅觉和评释注解，才算是实在地完成。艺术家仅仅把东西选出来给大众看的一个中介者良友，没什么了不得的！

这个言论触怒了很多自以为惟一无二的保守艺术家，不外杜尚不在乎，继推出《自行车轮》这种「现成物品」艺术品后，他捏续睁着雪亮的双眼，选出更多的「现成物品」，含糊这些东西原有的功能，把它们放进展场去，趁便嘲弄了无出其右、难以亲近的「艺术」。

有一天，杜尚经过一家巧克力专卖店橱窗，发现了这个「巧克力研磨器」，他认为，这种冰冷的机器就是他心目中最佳的「现成物品」，东谈主们除了拿它来磨可可豆，应该还要好好想想它代表了什么。于是，他从上头俯瞰这部由几个立体造型零件拼成的机械，将它画了出来。

一驱动，他用传统油画的透视技巧来阐扬，还加了光影效果。自后，为了突显东谈主们和研磨器之间的「淡薄」关系，客不雅、准确地画出机器执行的大小和模样，杜尚索性断念了那些可以呈现立体感的手法，以丝线般的白色细线，绘出器械名义的寒光，创作了这幅简化过的第二号作品。这个扁平的《巧克力研磨器第二号》，目前看起来曾经是老古董了，但在不同不雅众眼里，它永远会是一件簇新的创作。

夏加尔《我与我的村子》

Marc Chagall（1887 - 1985）

想体会夏加尔作品的意旨、价值与诗意，就必须了解他所呈现的魔幻组合，并非由眼睛所不雅察到的现实所建构，而是按照曩昔的回忆与当前的心情所重新摆设而成的视觉片断。至于画的颜色，则是按回忆所激起的情愫而定，回忆随时辰的推移早已成为幻觉。

马克·夏加尔是白俄罗斯裔法国画家、版画家和遐想师。夏加尔险些一直职责到别人命的终末一刻。他的油画颜色璀璨，别具一格，时时把犹太民间神话融入作品，并从天然界天真朴实的形象中领受素材。马克·夏加尔是一位追求天真纯朴，从俄国乡下犹太住户到巴黎的画家。马克·夏加尔历经立体派、超现实主义等现代艺术实验与浸礼，发展出独特个东谈主作风，在现代绘画史上占有环节的地位。

夏加尔《从窗口见到的巴黎》

Marc Chagall（1887 - 1985）

在《从窗口见到的巴黎》这幅画中，夏加尔将太空、屋子、艾菲尔铁塔、街谈、窗子等征象用立体派将征象分割再组合的技法来分景，使相互远隔的时辰和空间交融比肩在通盘，这种理解法使他大略通过想像重现现实，通过现实再现回忆，并将一个不真实并糟践春天气味的梦幻者的特色，微妙地与周遭的环境息争起来。

夏加尔《文斯上空的恋东谈主》

Marc Chagall（1887 - 1985）

夏加尔晚期的作品更苟且、奔放、逍遥与梦幻的道理。在这幅画中，他抛开了立体主义的影响，让画面失去了场地，既莫得出路、远景，也莫得深度，总计的一切都是抽象与虚拟图像的重叠。月亮、树影、东谈主物、花朵、烛台和眼下的文斯城，交汇在逍遥丰富的颜色当中，缤纷侵略的想像空间，就像那对恋东谈主一样随地遨游。

欧姬芙《音乐：粉红与蓝II》

Georgia O'Keeffe（1887 - 1986）

欧姬芙喜欢创作抽象画，因为这种绘画形式，允许她在作画经由中，果敢放置事物外表形象的看守，好好整理、过滤我方的情绪与嗅觉，然后仔细挑选颜色相线条，严慎而息争地把内在的心情安排在画面中。每创作一幅抽象画，就是对事物骨子的一次厘正和发现，况兼让她更解放、班师地抒发我方。

不外，具象绘画的描画物件可以是静物、舒心或是东谈主，那么抽象画谁来当模特儿呢？「音乐」这种无形流动的好意思妙声息再合乎不外了！二十多岁时，欧姬芙在哥伦比亚师范学院肄业，她的古道每天都会放一首曲子，让学生们画下对音乐的感受，并享受这样作画的稳定和乐趣。

这幅抽象的《音乐─粉红与蓝II》即是欧姬芙对音乐的反映，旋律与音符的颜色，在她的心目中显得明丽而响亮，开通的线条穿梭在画布上，织成一面洁白的图案。从那时起，欧姬芙便养成捕捉我方情绪陶冶的习气，再加上那时经由一又友推选，她读了康丁斯基的著述《论艺术精神》，「创造的实在精神，无法依靠表面来发现，却能片刻被嗅觉启发」，这位前辈画家如斯写谈，深深打动了这位敬佩直观的女画家。

乔治亚·欧姬芙，1887年11月15日降生，是一位好意思国艺术家，被列为20世纪的艺术各人之一。欧姬芙的绘画作品曾经成为1920年代好意思国艺术的经典代表，她以半抽象半写实的手法著明，其主题相当具有特色，多为花朵微不雅、岩石肌理变化，海螺、动物骨头、苦楚的好意思国内陆景不雅为主。她的作品中常充满著同色调的微弱变化，构成具有韵律感的构图，某些时候欧姬芙画中的物品外玄虚，让不雅者感到此物品的轻脆感。

欧姬芙《一朵海芋与红底》

Georgia O'Keeffe（1887 - 1986）

「我要把一朵花画得很大，让东谈主们谨防到它的存在。」看到17世纪画家拉斐尔一幅静物画中的一朵小花后，欧姬芙如是想。从此，她的画笔就变得像是倍率很大的放大镜，把罂粟、鸢尾花、玫瑰、山茶……各式花草大尺寸的模样，映在画布上。终局，花瓣、花萼和和茎的形式，往往因为大幅度的特写，而无法被透顶画出来，因此，欧姬芙画里一朵花真实、完好的印象，是需要不雅看者在心中自行补足的。这系列「一花一生界」的画作，共有跨越两百幅之多。

欧姬芙会画起海芋，是出自一个热爱的不雅察终局。她发现大部分的东谈主对这种花草不是相当眷顾，就是脑怒得不得了，而她我方却少许嗅觉也莫得。于是，她兴起了计议的念头，将这种纯白中漾着鹅黄的花朵，衬在红色或粉红色的配景上，画得比什物还要大，悉力阐扬它蜡样的花瓣质感。这样的海芋令东谈主印象真切，终末竟然成为欧姬芙的牌号。东谈主们常把她和海芋逸想在通盘。

欧姬芙画里的花草，是蝴蝶、蜜蜂或小虫豸眼里的花草，有时镜头靠得太近画面，只剩下雄蕊良友。因此有东谈主便指出，欧姬芙实在要描画的，其实是女性的性器官和情欲。这少许，画家严正含糊了，她认为，植物的生殖器官和东谈主类的，本来就有重叠之处，她的作品仅仅将天然界的人命之好意思抒发出来，而别东谈主是因为看了她的画，放进了我方的陶冶和嗅觉，才说出那样的话来。不外，她曾经概叹谈，为何男性画出女性的赤身，是艺术的象征；而，女性如果画出我方的身段，就被视为一种玷辱呢？评释注解终究是怒放的，欧姬芙对花草所遴荐的亲密视角，的确产生了不寻常的魔力。她的画是一种序言，让东谈主们穿越其中，找回自身的嗅觉。而这也恰是欧姬芙作画的初志。

欧姬芙《夏令时光》

Georgia O'Keeffe（1887 - 1986）

1929年她和一又友们资格了一次让灵魂苏醒的沙漠之旅，这幅《夏令时光》中的毒头骨，就是她最舒服的战利品。她认为这种被昭节晒到发白的骨头，虽象征死一火，却强横地切穿了活东谈主的心，叫醒了种种感受。而，在酷热的骄阳下，走到又累又渴的时候，未必出目前目下的小花，更令她惊喜特别。于是，归来之后，她便不再仅仅描画我方锺爱的花草，也试着把沙漠通俗乾净的原始景不雅，以及微妙的人命力展现出来。《夏令时光》就是欧姬芙一系列沙漠画中，极具代表性的一幅，既写实又飘溢着越现实的况昧。

基里诃《意大利广场》

Giorgio de Chirico（1888 - 1978）

《意大利广场》这幅画创作于1915年，画面空间是由一系列的平面来阐扬：出路的左边有一谈拱门，中间有一个泥像，后景是一滑朱红矮墙，一列火车正从墙后驶过。

基里诃的作品都有浓厚的象征主义颜色，举例钟表是为了要阐扬时辰冷凌弃地荏苒；火车头与风帆常常出目前归并幅画中，象征着不可幸免的东谈主间晦暗面。基里诃在濒临无处可躲的现实感到孤独时，但愿大略想像出一个让东谈主惊异的畅通管谈，于是，《意大利广场》就成为一个心灵上的停下之处，可以任由梦魂在其中轻浮。

乔治·德·基里柯，生于希腊。他是形而上派艺术运动的始创东谈主，以作品的高度象征性幻觉艺术而著称，被公认为达达主义及超现实主义等20世纪绘画艺术的前驱。

基里诃《阿喀硫斯、神马巴里奥和桑托》

Giorgio de Chirico（1888 - 1978）

基里诃在这些奔马图的系列画中，不绝重复领受古典主题，而且凭据其他的数据，一再描画一样的对象。除了像这幅成对马匹舒服死守的作品外，他还画了些马匹正在奔突的作品，那些亮堂的光芒及所使用的绘画素材，使画的构图愈加复杂。在巴黎的画廊举行展览后，基里诃售出了不少画作，由此可见其受到接待的程度。跟着时辰推移，基里诃的画慢慢失去了原来的独创性，并慢慢走向探索艺术技巧的计议之途。由于基里诃对艺术「技巧」的和会，使他愈加如虎添翼，在艺术史上开拓了难以动摇的不灭地位。

恩斯特《薄暮之歌》

Max Ernst（1891 - 1976）

恩斯特一驱动作画，感性念念维往往就会停摆。听凭直观率领的创作经由，如同招魂术一般，使画家时时在超现实的幻想密林中流连，又安逸又惊愕。这幅画描画的是一派存在于画家心中的森林。创作这幅画时，恩斯特将心中的感受以形象妖异的动植物来具体化；同期取法巴洛克画法中的「变形」和「流动」，况兼素雅描画景物的质料、肌理，加深半梦半真的对比，蛊卦不雅众一同赶赴窥看。

恩斯特《新娘穿衣》

Max Ernst（1891 - 1976）

十四岁时的某个更阑，恩斯特喜欢的宠物鹦鹉霍恩博姆不幸垂垂危去，此时他的妹妹恰巧降生。这个明锐的孩子竟然立时把这两个事件逸想在通盘，发出惊东谈主之语：「这个小女婴一定是吸吮了故去鸟儿的人命精髓才确立的。」也许是从那时驱动，鸟与女东谈主就成为一种结合的预料，想像力高明的恩斯特，一生被肖似这样的幻觉所扰，自小就深受微妙奇异的事物召唤，以至曾经瞒着家东谈主，在夜半独自走到门外的铁谈旁，想望望电线杆后方有什么东西。因此，非现实的寰宇一向是他偏好的主题。而，创作这幅画的时期，他正因为躲藏现实的政事烦闷而迁居好意思国，潜心作画，画风也变得较之前更为浓烈、更具景色性。这幅画还有个道理的小地方，循着侍女的见识望去，会发现存一幅构图相似的「画中画」挂在墙壁上。

米罗《荷兰室景一号》

Joan Miro（1893 - 1983）

米罗参照17世纪荷兰画家素尔格的《琵琶演奏者》一画，而绘制了此画。米罗在这幅画里撷取了素尔格画中的琵琶演奏者，桌脚把握的猫和狗，以及窗外的城堡部分。在作此画时，米罗阐扬了他绘画时的两个脾气：一方面喜欢追求细节和精准性，另一方面，他利用幻想能力，在梦里的形象中找到灵感的起源。

胡安·米罗，西班牙画家、雕刻家、陶艺家、版画家，超现实主义的代表东谈主物。是和毕加索、达利都名的20世纪超现实主义绘画各人之一。

米罗《海港》

Joan Miro（1893 - 1983）

「……我谛视着画册上的画稿，然后在一张纸上画一些草图，当这些草图在我心里变得活机动面前，我就提起一支淡色的画笔，解放且飞速地，在一批画布上画草图。……然后我再仔细地用碳笔画草图，有时用颜色很浅的丹青来遮住第一幅草图，终末驱动作画，况兼让原来带色的草图留住来……。」透过这样一再重复的经由，米罗试图在其中寻找出一种具独创性、和谐的作画方式。

一再简化形象，米罗的象征语言在画中轻快地倾泻着，灰底的配景让红、蓝、绿、黄色等基本色浮松地突显出来，且使用玄色颜色勾出空缺部分，让底部变得透明，并带有一种使东谈主不安的魔力。画面里出现了与米罗其他作品调换的脾气：一样的星星或眼睛，那是米罗特有的艺术语言。厚爱造型的米罗，用迂回的线条画出介于现实与梦幻之间的海港征象。

米罗《蓝色二号》

Joan Miro（1893 - 1983）

米罗在《蓝色》组画中探讨的主题就是追求拖沓限的嗅觉，「终末这三幅雄伟的蓝色油画，我花了很长一段时辰才画好，时辰不是花在作画上，而是花在念念索行径上。我需要在内心进行极紧凑的行径，才能取得空想和简捷的效果。率先的阶段是脑力行径，……就像举行一次宗教庆典或庆典一样。」著明的《蓝色》组画，就是在这样的庆典之中确立的。

马格利特《强奸》

Rene Magritte（1898 - 1967）

代表女东谈主灵性的双眼、鼻、唇，皆被性器官所取代，在这幅画中，「性欲」果然强奸了「爱情」，在马格利特活跃的20世纪初，恰是性解放萌芽的年代，艺术界就这个题材长篇大论，而他也不例外。「这是一个女东谈主的脸，照旧身段呢？」他是一位最反对「著明不如一见」的画家，认为万物在表象之下，还有别的含义，因此总喜欢在画作中发问。

马格利特，比利时画家。早期从事墙纸遐想和买卖艺术。20世纪20年代与巴黎的超现实主义者往复甚密，并驱动潜心作画，宗法超现实主义画风。作品颜色显著，物体位置比肩，常以海和太空为题材。

马格利特《戈尔礼达》

Rene Magritte（1898 - 1967）

《戈尔礼达》看来充满了多度空间的动画效果，是马格利特最富哲念念的作品之一。

塔马约《穿蓝衣服的两个东谈主》

Rufino Tamayo（1899 - 1991）

初看这幅画会以为这仅仅调色盘打翻在一块木板上，风乾之后斑驳掉色的终局，或者是一幅小孩子用蜡笔信手涂鸦。热爱的是，从早到晚心醉神驰地作画的塔马约，在一又友眼里，的确是「双手布满颜色」，不竭涂鸦的东谈主。他画东谈主物的要领，就如同画这幅画时一样，常常把焦点荟萃在脸部和眼睛，以头部凝华不雅众的见识。之后，便放纵的把东谈主物的身段变形，尽情编织色块，以抽象的画法抒发他一直想诉说的认识：东谈主与天地是人命共同体。而这少许，是他一次一次藉由作画，追忆墨西哥陈腐艺术根源所得出的论断。因此，在他的画中总能找到朴拙、贞洁、璀璨的民族风仪和轻快的颜色，更不乏现代艺术阐扬个东谈主内在感受的特质。

使塔马约双手布满颜色的，就是他所孕育居住的热带地区，在那边，他天生就懂得搭配出令东谈主瞻仰的颜色。险些是班师用颜色来作画的他，很少打线稿或草稿，这幅《穿蓝衣服的两个东谈主》中，一派片相互衬托的色块就评释了这少许。

鲁菲诺·塔马约，墨西哥画家及壁画家。

塔马约《妖怪的肖像》

Rufino Tamayo（1899 - 1991）

这幅画用了塔马约锺爱的红色和蓝色，且混入了玄色，到处带着斑驳醒方针白色光斑，显得微妙又油腻。这是画家习用的阐扬手法，他利用玄色是为了加剧配景、淡化画中东谈主物，使得主角常常被颜色吞没。因为他老是认为，天地空间和万物是和谐对等的，莫得哪一方比拟环节。塔马约画中奇异的色调，总令东谈主逸想起他的家乡墨西哥，他的诗东谈主一又友就曾经贴切地形容谈：塔马约的画作上，总少不了「从热带生果果皮和果肉中萃取出来的颜色」。

杜布菲《爵士乐团》

Jean Dubuffet（1901 - 1985）

迪比费是一位是善于利用各式技法来米从事创作的艺术家，这幅以鬼出电入的「厚质颜色」，以及利用灰泥、黏胶和各式粉末铺涂于画布上为基底，再利用刮刀放纵刮擦的方式，创造即兴、敷衍线条的作品。他利用放纵显现的颜色来创造一种动感，这与他热爱音乐有极大的关系，尤其是那时流行于好意思国的爵士乐，那种充满情愫的音符，仿佛借着闪动不定的颜色，流转在画面四周。经常被他用来创作肖像画，令东谈主印象十分真切。他曾线路，利用这种要领，可以「去除个东谈主化特质，将他们的形象大众化，营救成东谈主类的基本形骸……，透过一些技法所激发的想像力，最能增强画面的力量。」

让·杜布菲，法国画家、雕刻家和版画家。二战后巴黎派主要画家之一。其创作以开脱不雅察习气和文化条款，破除正宗的阐扬规则和油画本事为特征，并等闲使用各式技能（材料）创造多种作风。20世纪40年代末形成我方的作风，称为原生艺术（粗、生、涩艺术）、涂抹派或塔希主义。自后转向雕刻创作。1962年达到艺术顶峰—“乌尔卢普”作风。其作品使东谈主逸猜测儿童涂鸦的自愿乐趣，也有史前穴洞壁画的野性意味和西方城市街谈涂抹画的放纵性。成为法国艺术品中不灭之作。

拉姆《森林》

Wifredo Lam（1902 - 1982）

林飞龙的画幻化莫测，充满魔力、微妙与宗教庆典。《森林》这幅作品充满了惊东谈主的韵律感，直线与斜线的交错，不单让眼睛受到节律的颠簸，耳朵也仿佛受到殷切，就像在夜晚听到热带森林中传来的阵阵饱读声。数个精灵从森林当中涌现，行为是茎杆，千里甸甸的生果是乳房，南瓜是臀部，容颜如朔月，既滑稽又充满着原始的未知、狠毒、犀利的超现实微妙好意思感。

林飞龙我方说过：「当我在画这幅画时，掀开画室的门窗，途经的东谈主都说，别看！那是妖怪。」的确，这幅作品很接近中叶纪时东谈主们对地狱的描写。古巴莫得森林，因此，林飞龙很坦荡的说：这幅画的配景是甘蔗园。他以我方特有的诗意与形式，来抒发身为古巴东谈主的他，顺从与招架那时阿谁表里冲突的现实。

1942年，当这幅作品初次展出时，曾遭到坏心的品评与挫折，有些东谈主看到他也喝威士卡，还认为诧异不已，他们以为林飞龙喝的应该是血。但，林飞龙以庄重的立场、黑东谈主立志的庄严，以及深湛的艺术实力，博得大众的崇拜。

林飞龙（Wifredo Lam），1902年生于古巴。何飞龙是一位中国、西班牙、古巴黑东谈主的混血儿，在他身上可以看到多元文化交相交融的微妙感，这样的精神时时地在他的画作当中体现。

拉姆《婚典》

Wifredo Lam（1902 - 1982）

1944年，林飞龙与德籍的化学博士海伦娜.霍尔策成亲，同庚，他与超现实主义的创始者诗东谈主布荷东，一同受邀到海地窥伺，参预了几场巫毒教的宗教庆典，庆典冗长、奇异，包括了献祭和对一火魂的召唤，狂热的跳舞、震耳欲聋的饱读声，将东谈主类的厚谊赤裸裸地阐扬出来。整场庆典充满了狂热的野性好意思，让林飞龙深受颠簸，他说谈：「好意思必须是狂烈的，不然就不算好意思了。」这亦然林飞龙绘画创作中最出色的元素之一。

1950年，何飞龙与海伦娜仳离，两年后获取哈瓦那沙龙首奖，从此他的声望日隆，获奖不绝，站在了艺术界的尖端。

达利《捏续的记忆，软钟》

Salvador Dali（1904 - 1989）

当加拉亏损之后，达利便不再创作了。身为超现实主义画家的达利与加拉的爱情故事，是艺术界一段永垂不灭的佳话。在超现实主义的浪涛下，深千里厚实的评释注解往往带给不雅画者一种恐怖的视觉陶冶，但因为有加拉的「爱」，达利的评释注解显得和气很多。

《捏续的记忆，软钟》这幅作品，是达利最著明的创作之一，因为主角是「时辰」，时辰变软了，只会给东谈主们带来一种对芳华岁月白白虚耗的懦弱感，对年华不再的深深叹惜。

现代绘画的创作理念，曾经与曩昔评释注解好意思感与抒发念念想的作风不同，他们更想做的，不是带给东谈主们好意思的不雅感，而是班师问不雅赏者：「这样的创作为何不成称为艺术？」在达利的作品中，咱们可以找到对现实的反讽，也可以在懦弱中体会另一股来自加拉的「好意思与爱」的招呼，正因为这种对懦弱感的抵销，让达利的作品更具魔力。

萨尔瓦多·达利--普波尔侯爵，是著明的西班牙加泰罗尼亚画家，因为其超现实主义作品而著明。达利是一位具有超卓才能和联想力的艺术家，他的作品把不端黑甜乡般的形象与突出的绘画期间和受文艺讲演各人影响的绘画技巧令东谈主瞻仰地搀和在通盘。在1982年西班牙国王胡安·卡洛斯一生封他为普波尔侯爵，与毕加索、马蒂斯通盘被认为是二十世纪最有代表性的三个画家。

达利《流动的欲念》

Salvador Dali（1904 - 1989）

《流动的欲念》的构图就像一出戏剧的场景，达利从他观赏的绘画各人那边吸取了宽敞的主题，并将它们转换成充满情欲和无礼的幻想。在这幅画中，有两个图象就是取材于超现实主义梦幻寰宇的前驱之一波希的著明的三联画。一是画的左边，俯身在大石窍中将一只手浸泡在深蓝色水里的须眉图象，洞中费解可见一个天蓝色的球体，这就是取材自波希的名作《文娱之园》中，作为人命之源的球体。二是画的右边，通过一谈流弊，将罐中液体倒入须眉眼下的盆里的年轻女子，她和波希画中的女主角具有调换的脾气：幸免正视寰宇。

达利《遨游的蜜蜂所引起的梦》

Salvador Dali（1904 - 1989）

达利在描画黑甜乡时，是利用潜厚实力量和排除逻辑的限定，以一种稀有乖癖、说不外去的方式，将普通物像诬陷、变形，象征超现实主义企图在超天然的梦幻情状中，通过潜厚实、象征、碰劲、自动反应，来抒发生计和绘画的透顶解放。

这幅画所描画的是，一场被一只围着石榴遨游的蜜蜂所螫咬而引起的梦，女主角是加拉，她悬躺在浮于海面的礁石上。石榴、蜜蜂、老虎、大象、大海、刺枪，画里的每个物像都有真切而且油腻的色情涵义。

达利《利加特港圣母的第一幅习作》

Salvador Dali（1904 - 1989）

《利加特港圣母的第一幅习作》是达利油画中最著明的一幅，它首创了一系列宗教绘画作品，文牍了微暗派时期的驱动。达利自后又以这个主题完成过其他的创作，加拉和文艺讲演时期的模式、地中海的光、伊加特口岸的大海，这几个永久的主题，在达利的作品中被深化了。

卡洛《与山公通盘的自画像》

Frida Kahlo（1907 - 1954）

「我画我我方，因为我经常都是寂然一东谈主，而且我亦然我最了解的题材。」十八岁的卡洛，有一天和男友乘巴士下学返家，巳士却将她载往了毫不调换的庆幸。出其不备的可怕车祸，使得卡洛在病床上躺了三个月。原来脊椎早已严重毁伤，这使她自后动了三十屡次手术，必须穿上各式材质的护身褡，况兼数度流产。这一次入院，医师将她固定在病床上，她动掸不得，只可每时每刻地平躺着，承遭难当的痛苦和纳闷。不外，病床的护罩上有一面镜子，使她可以打量我方。于是，她向影相师兼画家的父亲要了颜色和画布，以及一副可以固定在病床上方的画板，驱动了自传式的绘画生涯。她借着不绝描画我方来疗伤止痛，重新找回了新的人命。

在卡洛的全身自画像中，咱们常常可以看见她，站或坐在空旷的场景中，画面中唯惟一只喜欢的宠物陪同，充满苦楚而真切的孤独。在半身像或头像中，画家笔下的我方，凝望着某一场地，脸色莫测，仿佛有着无法谈出的心情。

这幅《跟山公通盘的自画像》含有卡洛典型的自画像脾气：用色强烈、东谈主物身上的服饰及配景充满墨西哥氛围。而山公在墨西哥神话中诚然是守望的象征，在画家眼里却是和气而具灵性的动物。

弗里达·卡洛，墨西哥最受接待的现代女画家。

卡洛《我所见到的水中景像》

Frida Kahlo（1907 - 1954）

这幅画里画着很多卡洛性掷中的环节事件。画里的浴缸栓塞，聚集着轻细的血管（这脆弱的血管，自后于《两个佛里达》里再次出现）。当滴滴代表着她人命力的血滴下，一连串的人命历险就展开了，从下方水草丛中的佳偶肖像（那是与她痛痒相干的父亲与母亲，取自1936年的画作《我的祖父母、双亲与我》），依逆时针场地看起：阿谁脖子被绳子绑缚、如尸体一般的裸女，代表着她流产的恶运记忆（1932年《亨利.福特病院》）；飘在水中的洋装曾出目前1937年的作品《记忆》里，那时她因妹妹与挚爱的丈夫发生婚外恋而恶运不已；裸女上方仙东谈主掌似的水中植物，她曾画在1932年刚到好意思国时的自画像《站在墨西哥与好意思国范围的自画像》里，那时卡洛以这幅画诉说着我方的彷惶心情；右边的高楼和坐在孤岛上的一具白骨，则是她曾描画过的梦想和墨西哥（1932年《梦想和自画像》和1938年《墨西哥四住户》）。

这幅利用了高度象征的画作，看起来诚然超乎现实，但每个部分却都如实描画着画家的执行碰到和真实情愫，卡洛的总计作品险些都是如斯真诚地披露着自我。

卡洛《两个弗里达》

Frida Kahlo（1907 - 1954）

与我方深深仰慕的偶像成亲，是些许女孩求之不得的事！厚谊丰富的卡洛天然也不例外。1922年，刚成为墨西哥预科学院三十五名女学生之一（该校共有两千多名学生）的卡洛，碰见了中意己久的壁画各人迪哥.里维拉，而那恰是她一生痴恋的开首。

庆幸果真让卡洛与迪亚哥牢牢相系，六年后他们再次再见，况兼堕入热恋，决定共度一生。卡洛心舒服足，幸福难言，频频画下我方与喜欢的迪哥在通盘的甘好意思模样。关联词，悲哀与不幸也早就跟在一旁乘机守候。大她二十一岁的迪哥，素性无法对爱情专一.，婚后外遇不绝，终末以至与她的妹妹克丽斯蒂娜发生了暧昧关系。1939年，为了逃离恶运已慢慢多于郁勃的婚配，他们契约仳离。不外，相互需要的两东谈主终究分不开，不到一年，他们便再度复合了。

这幅画即是肉痛的卡洛在与丈夫仳离后不久创作的，那时的她因为无望而酗酒，使原本就孱弱的身段更雪上加霜。在婚变中历经种种心思后，必须重新学习并立的她，才执起了画笔剖析内在分裂的我方：两个弗里达痛痒相干，都是画家我方的一部分。其中一个身穿传统的墨西哥原住民服装，是迪哥所恋慕的她，脆弱的血管环过她的右手臂，接在她手里拿着的护身符上头，这个护身符内部装着迪哥的少小画像，是她爱意与人命的起源。另一个一稔欧式洋装的弗里达却曾经失去了她的所爱，也失去了一部分的自我，她的腹黑只剩下一半，血管刚刚被剪断，鲜血无助地滴下来，只可拿入辖下手术钳聊以完毕。这个被松手的欧洲弗里达，很有可能会流血至死。概略的乌云粉饰在两个弗里达.卡洛的死后，这幅冷冽的画作，述说着她一生最强烈的爱情和充满祸害的婚配。

培根《摹仿委拉斯贵兹的教宗英诺森十世肖像习作》

Francis Bacon（1909 - 1992）

「我恒久认为，委拉斯贵兹的《教宗英诺森十世肖像》是寰宇上最妩媚的画作之一。我像着了魔似的描画它。我一直在为它创造改天换地的新形象，但从未收效过。我对此感到缺憾。……关联词这一幅画却是我心中十全十好意思的作品，无法再增添任何东西上去。」培根对委拉斯贵兹的《教宗英诺森十世肖像》可说是珍摄备至，他认为委拉斯贵兹是一位极高尚的东谈主，东谈主们可从委拉斯贵兹的画作中看到曩昔生活的影子。

弗朗西斯·培根 ，英国20世纪最伟大的画家。

培根《彼得.莱西肖像习作》

Francis Bacon（1909 - 1992）

培根在得知彼得.莱西这位一又友亏损的音讯后，凭着记忆一气呵成地完成这幅作品。这幅画里可以看出来，布拉加利亚和毕加索对培根的影响。布拉加利亚的《多面肖像》中，他利用了重叠的透明形象期间，其光影效果启发了培根在绘画上的乖张效果；而毕加索冲破传统绘画单一不雅点的期间──从不同角度不雅察画面──得到形象重叠的效果，也呈目前这幅画中。

培根《师法迈布里奇的影相作品：装水罐的妇东谈主及用行为行走的瘫痪儿童》

Francis Bacon（1909 - 1992）

「我一直渴慕画出含笑，关联词我恒久莫得收效。」培根曾如斯说谈。他彻心刺骨都在倾听东谈主类内心恶运的招呼。他从不加以讳饰东谈主世中的恶运挣扎，真实地将其表目前画作上。培根认为，影相使现代的形象艺术产生实在的交流，这幅画作的主要起源即是来自迈布里奇的影相作品。对培根来说，迈布里奇的影相是一部东谈主类的动作辞典，赋予他一系列的奔放逸想，他将相片当作绘画正本，并利用它们来激起情愫上的颠簸。

波洛克《一体，作品第三十号》

Jackson Pollock（1912 - 1956）

「滴流画」是波洛克最具代表性的创作手法，50年代傍边，波洛克驱动放置具像式的创作方式，朝具有强烈内在涵义的创作范畴迈进。在战争了印地安东谈主宗教庆典的「沙画」，以及超现实主义的虚谬妄论之后，触发了波洛克的潜厚实与创作原能源，开展了他的创做念考模式。

手捏一桶色料与刷子，让我方处于半昏厥的迷幻情状之下的波洛克，平常都会将一块雄伟的画布铺在地上，我方则行走或漫舞于其上，将颜色借着不同的速率与重量，泼或者滴落在画布上创作，这样的作画方式，在艺术史上被称之为「行动绘画」。这是一种重视创作的经由，而非只重视终局的创作方式，崛起于50年代的好意思国，又被称为「抽象阐扬主义」。这幅《一体，作品第三十号》就是他的代表作之一。

杰克逊·波洛克，好意思国画家，抽象阐扬主义绘画各人，也被公认为是好意思国现代绘画开脱欧洲范例，在外洋艺林开拓引诱地位的第一元勋。1929年就学纽约艺术学生定约，师从本顿。1943年驱动转向抽象艺术。1947年驱动使用“滴画法”，把雄伟的画布平铺于大地，用钻有小孔的盒、棒或画笔把颜色滴溅在画布上。

波洛克《青色柱子》

Jackson Pollock（1912 - 1956）

「我的画莫得驱动，也莫得完毕。如果说是我在作画，倒不如说，是画的自身领有我方的人命。」波洛克这样评释注解我方的作品。

《青色柱子》这幅作品在1973年，由澳大利亚政府以史无先例的二百万好意思元高价自好意思国的储藏家手中购得，那时在澳大利亚引起山地风云，以好意思国画家的作品而言，也创下了一个空前的记载。1954年，波洛克出售这幅作品时，价钱唯独六千好意思元，二十年不到，便以数百倍的价钱进驻国度级的艺术殿堂。

波洛克为绘画带来了雄伟的转换，那时还不是很有名气的储藏家佩姬.古根海姆曾经鼎力资助他的创作，让他莫得黄雀伺蝉，而他的老婆，同期亦然画家的克莱丝娜则为他全心费力地付出，况兼激励他的创作灵感。对波洛克而言，画布是一座大舞台，在这个舞台上呈现他艺术念念想的方式，是经由而非终局，这样的理念直到今天深深影响了现代的创作者，也为绘画艺术开启一派全新的天地。

马瑟韦尔《西班牙共和国挽歌系列，第七十号》

Robert Motherwall（1915 - 1991）

《西班牙共和国挽歌》系列作品是马瑟韦尔最有派头的作品之一，画中的黑与白、椭圆与长方形，险些可以看成是他的亲笔签名。马瑟韦尔利用十分通俗的形象及通俗的语汇，创作出如斯大型、繁复、妩媚的作品来。马瑟韦尔认为：「一张丹青的生成，来自于艺术家与画布的共同职责。」那是让厚谊天然抒发出来的效果，而不是去描摹它。

罗伯特·马瑟韦尔，好意思国画家。他以抽象阐扬主义绘画以及关系现代艺术的论著而著明。马瑟韦尔降生于华盛顿的阿伯丁。1937年从斯坦福大学毕业后，他在哈佛计议玄学。他在洛杉矶和纽约曾片刻的学习过艺术，但很大程度上是自学成才 。马瑟韦尔40年代初结子了那时在纽约的欧洲画家，尤其是超现实主义者恩斯特地。最使他有热爱的是超现实主义方面的超厚实舒心，他认为这是艺术中的直观、非感性，偶发认识的创造。

马瑟韦尔《海边系列，第二号》

Robert Motherwall（1915 - 1991）

这些作品是马瑟韦尔在1962年夏天，于好意思国普罗温斯敦所创作的油画作品。马瑟韦尔说过：「在《海边系列》作品上画那些飞溅的浪花时，由于使力过猛，经常形成画纸离散。自后，我将五层优质的画纸黏在通盘，画纸才经得起我以肩、臂、手加在画笔上的强烈力度。」

马瑟韦尔《怒放系列，花圃的窗子》

Robert Motherwall（1915 - 1991）

马瑟韦尔对《怒放系列》作品的看法是：「驱动时是一种息争的举座，然后再将这系列的作品分隔成几个区域。」这样的做法，与他驱动计议马谛斯的画作有密切的关联性，马蒂斯作品中经常出现的窗子，及窗里、窗外的画面安排，使马瑟韦尔对墙与窗、内与外的关系产生新的念念考。《花圃的窗子》利用璀璨的色块，让画面产生一种传统式的对立感，而直线的利用更让表里有了一种显著的分辨。

塔皮埃斯《梯子》

Antonio Tapies（1923 -2012）

这幅作品炫耀了一种「高涨与登高」或「千里沦与陷落」的隐喻。而「虚无」的东方玄学念念想，无欲、无我、忘我的主题，恰是塔皮埃斯艺术创作当中唯一不变的创作因子，亦然他作品的典型特征。

安东尼·塔皮埃斯（Antoni Tàpies 1923—2012）降生于西班牙巴塞罗那一个加泰罗尼亚世家。安东尼·塔皮埃斯既是画家，雕刻家，亦然艺术表面家和储藏家。是欧洲二战后最具代表性的抽象艺术各人，是二十世纪欧洲先锋艺术的前驱。

塔皮埃斯《红与黑》

在塔皮埃斯的作品中，咱们经常会发现一些标志，举例十字、曲线、角、加泰隆尼亚旌旗的色块或线条等等，这些象征、涂抹、斑痕或字母，都象征或默示着某种涵义，这样的创作形式也同期出目前现代其他画家的作品中，比如米罗、克利等各人的创作中。

象征关于塔皮埃斯来说，可能源自于他的童年记忆，它们在举座构图中，操纵自若地铺陈，这种用快慰排的解放阐扬，愈加显贵地评释他关于阐扬主义的真切看法。

诺兰《这个》

Kenneth Nolan（1924 -2010）

「造型」自身对诺兰来说，算不上什么新鲜事，险些从创作驱动，他就厚实到造型的势必性。他曾经说过：「即使是制作《圆形》，执行上也必须用到造型，而我则相当有厚实的利用了《方形》。对50年代的我而言，造型还停留在不自觉的阶段。」而齐心圆的布局则是这个时期的代表作。他指出：「当两支眼睛都荟萃在这个圆形上时，好像会把我方消亡，况兼使东谈主的视觉元限推广，就像踏进于密教艺术的曼荼罗中。」圆形提供了诺兰很大的发展潜质，况兼为他的画作奠定了大致的形式基础。勾搭性是诺兰作品的特征。他恒久忠实于系列画作的基本创作道路，并将己知的东西固定下来，充分展现他对该系列作品的独创能力。

肯尼念念-诺兰是著明战后好意思国抽象派画家，提起诺兰，就让东谈主逸想起一幅具现代作风的图象，出现咱们脑海中的形象是他那著明的“圆形”、“V字型”、或是“条纹”，还与东谈主们不太熟习的“猫眼”、“苏格兰格子图案”，诺兰在他的笔下，颜色的协联合树立成为并立的阐扬身分，排除了和任何既有形象最微弱的任何推敲，这险些是欧好意思好意思术史上的创始。他的作品可说是20世纪60年代和70年代抽象画派作品的典范

诺兰《慧星》

在「V字形」的系列画作中，诺兰阐扬出他比前一个系列更强烈的力度与对造型的评释注解力。用一组「V字形」的色条把画的中心如实地连续到画的角落。「V字体」这组系列作品是相当出色的创作，在观赏这类画作时，对称的、居中的「V字体」是个要津的花样，一个偏离

中心且不合称的图形，会裁汰濒临作品时的感受。而一直延迟到上端的两角，更能加强这些画在举座性上不可忽视的存在感。

诺兰《闪耀》

在诺兰晚期的「条纹」作品中，曾经透顶消撤离V字形与菱形的相对复杂性关系。在这些作品中，图象与手法密切地交融在通盘，这是在曩昔他的任何作品中都无法达到的颠峰。诺兰让条纹的长度去决定画作的单边尺寸，而条纹的宽度、数目和停止，则决定另一边的尺寸，而这两种尺寸都是创作时相当环节的要津。

曩昔的三十年傍边，诺兰的坚决使他创作了很多优好意思、动东谈主而妍丽夺蓄意作品，他对我方最喜欢的艺术体验这样描摹：「当你不雅赏一幅伟大的画时，就像在跟他语言，它对你建议问题，也激起你心中很多的疑问。」他还说：「作为一个艺术家，大要要在你完成了作品以后，才能发现其中的东西。就像塞尚，在创作了那么多的作品，经过了二十年，他才弄明晰我方在作什么。这就是一个发现、展示我方的经由，而我正走在这条漫长的谈路上。」各人级画家的诺兰，的确走出了一条无东谈主能及的通衢。

安迪·沃霍尔《寻找失意的鞋》

Andy Warhol（1928 - 1987）

50年代初，初出茅屋的安迪·沃霍尔和同学搭伙来到纽约闯荡。那时的好意思国，恰是平面告白繁华发展的时候，由于在学生期间，他就曾替百货业者画过一些出色的告白画，因此，诚然才刚步出校园，安迪·沃霍尔这个名字在纽约告白圈和前锋界里，已不算太生疏。《魔力》杂志社的主编蒂娜就对安迪·沃霍尔有些印象，以至还掏腰包买过他的作品。

刚到纽约的第二天，安迪·沃霍尔便带着新作拜访她，但愿能寻得职责契机。这个主动积极的小伙子果然莫得失望，蒂娜正好急着要一批女鞋图，而安迪·沃霍尔本来就对鞋子和脚眷顾不已，于是他们第一次的互助坐窝展开了。安迪·沃霍尔且归后连夜赶工，第二天立时交出一张画有各色各样独特项方针鞋子图，有些傍边脚颜色不同，有些上头还附带着性感的小腿。蒂娜看了认为很新奇，但她的杂志需要的鞋子线条必须更澄澈。是以自后安迪·沃霍尔便重新一对双分开来画，并取了些怪热爱的标题，举例：「你能带鞋子到水边，但不成让它

喝水」（无法防水的黄色高跟鞋）、「谁似猫一般盼前顾后？」（鞋头有猫脸图案的女鞋）等等。花样新颖的鞋是前锋的象征，亦然安迪·沃霍尔踏东谈主告白界最强而有劲的象征，从那时起，他的鞋子画就如同他的柬帖一般。这幅《寻找失意的鞋》是其中的代表作，一只只姿态差异的单脚鞋子，鞋头朝着不同场地严陈以待，似乎也正准备出走，寻找我方的主东谈主。

安迪·沃霍尔被誉为20世纪艺术界最有名的东谈主物之一，是波普艺术的倡导者和首领，亦然对波普艺术影响最大的艺术家。他果敢尝试凸版印刷、橡皮或木材拓印、金箔期间、相片投影等各式复制技法。

沃霍尔除了是波普艺术的首领东谈主物，他照旧电影制片东谈主、作者、摇滚乐作曲者、出书商，是纽约酬酢界、艺术界大富大贵的明星式艺术家。2014年，作品毛泽东画像在英国以760万英镑（约合东谈主民币7663万元）的高价被拍卖。

安迪·沃霍尔《二百个坎贝尔浓汤罐头》

Andy Warhol（1928 - 1987）

「只须你肯付五十块，我就把该画些什么才会大受接待的窍门告诉你。」纽约一家画廊的女主东谈主向安迪建议了建议。那时已尝到求名求利味谈的安迪，正在为搜罗新题材，以及如何莳植我方画作的艺术价值而肠念念衰退。于是，这个买卖成交了！这位见识独有的女经纪商告诉他：「你应该画一些这寰宇上东谈主们最想要的东西，像是财富；或者画些每个东谈主每天都会看得到的东西，举例汤罐头就是个可以的主意。」这听起来像是开玩笑，而安迪·沃霍尔也被她逗笑了。

关联词他并莫稳妥成置之脑后，回家的路上立即到自选市集，买下了各式口味的坎贝尔浓汤罐头。然后十分认真地为这些罐头拍幻灯片，有的单惟一个，有的堆成一堆，或者把撕下来的包装纸卷在一块……，再用投影机投射到画布上，描下想要的部分，用各式技法和材料着色。终末，他发现我方爱极了汤罐上那红、白、黄相间的外表纸，便干脆把二百个叠在通盘，画了这幅《二百个坎贝尔浓汤罐头》，仔细看，内部各式口味都有呢！这寻常的日常食物，经过画家的巧念念安排，竟染上了抽象画的风范。这批颜色鲜美的汤罐画立时就被杂志社买下了，刊登时，图片把握还打着一滑铅字，那是安迪·沃霍尔的创作理念：「我仅仅画我喜欢的，大众经常使用，却不太谨防的妩媚东西。」

花五十元买点子果然个一册万利的合算交易，不久，安迪·沃霍尔就着这批画在好意思术馆开了一次个展，诚然评价南北极，艺术界东谈主士大多模棱两可，但纽约的普通大众，却都爱上了安迪·沃霍尔这个名字。那时相当知名的荷兰版画家布库宁也到场了，据说他在《二百个浓汤罐》这幅画前足足站了十五分钟，终末不发一语地走了。

安迪·沃霍尔《玛丽莲.梦露》

Andy Warhol（1928 - 1987）

就在《二百个坎贝尔浓汤罐》系列主题展完毕的那一天，风靡全球的性感巨星玛丽莲.梦露自裁了。一向很喜欢她的安迪·沃霍尔也和很多东谈主一样感到忌惮又伤心，因此他拿出储藏许久的剧照，创作了这位全球性感女神的肖像，来顾虑她不灭的妩媚。那时，安迪.刚刚和助理通盘画完一批汤罐头、可乐瓶、财富，由于他们想要以大批堆叠的款式呈目前画面上，是以每件东西都要重复画上数百次，这样既容易疲累，而且相当花时，于是他们灵机一动，猜测了「绢印」这个好办法，这种感光式的版画复制图案，不但快速，还可以放纵调配颜色呢！

得到这个法宝，安迪·沃霍尔创作重复出现的物品时，就愈加庖丁解牛了，他以至还玩笑地说：「我想要把我方变成一部机器。」他的画也驱动和画中的现代工业家具一样，有了「大批坐褥」这个特质。

安迪·沃霍尔就使用绢印法画出了二十三个配色不同的玛丽莲.梦露头像。其中，这个金头发、蓝绿色眸子，画着浅绿眼彩和大红色唇膏的梦露，是他最喜欢的一个。是以，他再次将她复制了二十五次，放在归并个画幅中。往后，他又用一样的方式画了猫王、杰克逊和许很多多的偶像与名东谈主。

贾斯培·琼斯《三面好意思国国旗》

Jasper Johns（1930 - 1988）

二十四岁的琼斯为了糊口，和一又友合伙帮各式商店做橱窗遐想（其中还包括有名的第凡尼珠宝店），发放的时候也创作一些素描和拼贴画。一个阳光明媚的午后，他片刻心生一念，把我方总计的作品都毁了，然后摊开一张新的画布，将油彩和蜡溶在通盘，趁着这种奇怪的颜色还没凝固的时候，画了一面略略泛黄的白色好意思国星条旗。

那年是1954年，琼斯仿佛终于找出新场地，他承认我方其实很脑怒画素描，而且驱动不绝把国旗、箭靶和抽屉……这些老是出目前生活周遭、由东谈主们画出来，却不被当成一幅画来看待的东西搬上画布，但愿东谈主们能多花点时辰来观赏，因为「它们本来就是画了！」

更环节的是，画家自身很享受创作这些画的经由，诚然从没想过要让我方的画作成系列，但因为一个主题可以有无尽的变化，一画起来，他就停不下来地念念索各式用色的可能性和阐扬方式，在归并个主题里探索个不竭，仿佛在绘画形式的迷宫里漫游，每一次都带出来一整组主题调换的作品。《好意思国国旗》即是其中之一，有东谈主曾经颂扬地说：「一面好意思国国旗由琼斯画出来，就好意思得像一首十四行诗！」

贾斯培·琼斯是好意思国二十世纪最环节、最有影响力的艺术家之一，他以至被列为与丢勒、伦勃朗、戈雅、蒙克和毕加索等艺术史上最伟大的版画家之一，2011年他还在好意思国白宫接纳了“总统解放勋章”。

马克·罗斯科《蓝色中的白色和绿色》

（Mark Rothko，1903—1970）

《蓝色中的白色和绿色》是罗斯科的代表作。好意思国抽象派画家马克·罗斯科生于俄国，十岁时移居好意思国，曾在纽约艺术学生联合学院学习，师从于马克斯·韦伯。40年代末形成了我方透顶抽象的色域绘画作风。罗斯科说，“我对颜色与形式的关系以过火他的关系并莫得热爱……我唯一感热爱的是抒发东谈主的基本情绪，悲催的，狂喜的，烧毁的，等等。如果你仅仅被画上的颜色关系感动的话，你就莫得收拢我的艺术的中枢。”1970年2月，马克·罗斯科自裁身一火。

威廉·德·库宁《女东谈主系列》

（Willem De Kooning 1904-1997）

可以说，画面上这个龇牙裂嘴的女东谈主莫得一点好意思感可言，以至可以说是面貌狠毒，从技法上看，这个糟践力量和动感的女东谈主形象由颜色构筑而成，它就是德库宁的代表作，著明的“女东谈主系列”中的一幅。这幅作品展现了德库宁在非抽象阶段的艺术探索中对女性的厚实。象征着艺术家对女东谈主专横骄矜的厚实和感受。据说，这种感受曾使德库宁整日不得沉静，直到他在画面上将这种感受阐扬出来为止。诚然这幅作品用笔放纵，使东谈主感到有一种一挥而就的效果，但执行上他破钞整整18个月的沉重管事才得以完成。尤其是对画面上女性形象的阐扬，德库宁反反复复画过数百次。诚然画面的形象显得烦闷不胜，却给不雅众一种强烈的视觉冲击。另外，他的《发掘》、《玛丽莲·梦露》等代表性作品，一样颠簸东谈主心。

威廉·德·库宁《女东谈主系列》

（Willem De Kooning 1904-1997）

威廉·德·库宁，简称德·库宁，荷兰籍好意思国画家深圳新闻，抽象阐扬主义的灵魂东谈主物之一，新行动画派的各人之一。在他创作生涯中，东谈主体成为其绘画创作的主体，加以舒心及书写的象征来发展他的抽象寰宇。他将欧洲立体主义、超现实主义与阐扬主义的作风融于我方大而有劲的绘画行动之中，把激进艺术的理念融解在我方的艺术寰宇里。

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